Le pantin de bois aux instincts meurtriers investit les salles obscures. En tranchant la gorge de l’innocence enfantine à coups de machette, le cinéma d’horreur à petit budget s’offre une seconde jeunesse. À l’occasion de la sortie du film Pinocchio : Déchaîné (Pinocchio: Unstrung), retour sur le phénomène « Poohverse » qui métamorphose nos souvenirs de couveuse en boucheries sanglantes.
Du lit de bord à la morgue
Il fut un temps où l’évocation de Winnie l’ourson, de Bambi ou du Pays Imaginaire ravivait le parfum nostalgique des après-midis passés devant la télévision, un verre de grenadine à la main. Ce temps est révolu. Aujourd’hui, le petit faon de notre enfance déchiquette des chasseurs sans sommation, Winnie massacre des adolescents en forêt de cent acres et Popeye troque ses épinards pour des stéroïdes sanguinaires.
Le dernier-né de cette vague de profanation culturelle, Pinocchio : Déchaîné, pushes le vice encore plus loin. Le pantin de bois ne veut plus simplement « devenir un vrai petit garçon » — il souhaite arracher la peau de ses victimes pour s’en faire un manteau anatomique. Porté par le réalisateur Rhys Frake-Waterfield, chef d’orchestre de cet empire du mauvais goût, le métrage s’inscrit dans la lignée du Twisted Childhood Universe (TCU), un univers cinématographique interconnecté dont le seul mot d’ordre est la profanation systématique des contes populaires.
Cette mode, désormais bien installée dans le paysage du cinéma de genre, soulevait pourtant au départ une incrédulité générale. Mais le public a répondu présent, transformant ces productions opportunistes en véritables succès de rentabilité.
Le miracle juridique du domaine public
Comment en est-on arrivé là ? Le coup de starter n’est pas créatif, il est juridique.
En 2022, le livre original d’A.A. Milne publié en 1926, Winnie-the-Pooh, est tombé dans le domaine public aux États-Unis. Jusqu’alors, la Walt Disney Company verrouillait férocement les droits d’exploitation de ces personnages. La fin de ce monopole légal a opened une brèche dans laquelle s’est engouffrée une poignée de producteurs indépendants astucieux, la maison de production britannique Jagged Edge Productions en tête.
Si Disney conserve la propriété de ses versions stylisées — comme le pull rouge de Winnie —, n’importe quel réalisateur peut désormais utiliser le texte source et les personnages d’origine à sa guise. Sans budget pour rivaliser avec la magie des studios d’animation d’Hollywood, les cinéastes de la série B ont choisi le contre-pied absolu : la violence gore débridée (slasher), le sang factice et l’humour noir caustique.
De Peter Pan à Pinocchio : la dérive des mythes
Dans ce catalogue du cauchemar, la réécriture de Peter Pan marque sans doute un tournant encore plus dérangeant. Avec Peter Pan’s Neverland Nightmare, les producteurs ont abandonné le simple tueur masqué pour aborder des thématiques nettement plus sombres. Le garçon qui ne voulait pas grandir y devient un kidnappeur d’enfants sadique et toxique, tandis que Clochette se voit transformée en héroïnomane accro à une poussière de fée assimilée à une drogue dure.
En s’attaquant à Peter Pan puis à Pinocchio, la franchise franchit un cap : elle ne se contente plus de parodier le gore, elle détourne l’essence même des récits initiatiques. Le Pantin articulé et le Garçon volant ne sont plus des figures de rêve ou d’émancipation, mais les bourreaux d’une jeunesse sacrifiée sur l’autel du cynisme contemporain.
Cette logique de surenchère doit d’ailleurs culminer dans un projet d’envergure baptisé Poohverse: Monsters Assemble, véritable Avengers du cinéma d’exploitation où Winnie, Bambi, Peter Pan, Pinocchio et Tigrou partageront l’écran pour orchestrer un carnage collectif.
Pourquoi le public en redemande-t-il ?
À première vue, le concept tient plus du canular de fin d’études que du chef-d’œuvre du septième art. Les critiques sont souvent assassinées par la presse, mais les salles se remplissent et le buzz sur TikTok bat son plein. Ce succès repose sur trois piliers majeurs :
- Le cynisme anti-nostalgie : À une époque saturée par le doudou culturel et le recyclage des franchises Disney, bousculer le politiquement correct produit une catharsis libératrice.
- L’esprit de la série B réhabilité : Ces films revendiquent leur côté bricolé, leurs effets spéciaux artisanaux et leurs lignes de dialogue grotesques. C’est le retour du cinéma de Grindhouse des années 70.
- Le coût de production dérisoire : Produits pour quelques dizaines de milliers de dollars, ces longs-métrages rentrent dans leurs frais dès leur premier week-end d’exploitation.
En voyant le Cricket diabolique prendre vie sous la voix de Robert Englund (l’interprète historique de Freddy Krueger) dans ce nouveau Pinocchio, on comprend que la farce a trouvé son public d’initiés.
Une formule vouée à l’épuisement ?
Si le filon semble inépuisable tant le catalogue des contes traditionnels est vaste, le risque d’essoufflement est réel. L’effet de surprise du premier Winnie-the-Pooh: Blood and Honey est désormais passé. Pour maintenir l’intérêt des spectateurs, les producteurs doivent surenchérir dans l’outrance, le budget ou le second degré.
Pinocchio : Déchaîné constitue le crash-test de cette maturité : s’il parvient à dépasser la simple blague de potache pour proposer une vraie proposition de cinéma d’horreur corporel (body horror), la franchise pourrait s’installer durablement. Dans le cas contraire, cette vague gore ne restera qu’une parenthèse insolite dans l’histoire du cinéma d’exploitation. En attendant, gardez un œil sur vos jouets en bois et vos souvenirs d’enfance : le Pays Imaginaire n’a jamais été aussi dangereux.